martes, 4 de junio de 2013

betsey johnson



Betsey Johnson

Atrevida, única, sin igual. Extrovertida, creativa, madre y abuela. Rock and Roll, color y fuerza. Todas estas palabras y conceptos pueden ser utilizados para referirse a este ícono de la moda. Betsey Johnson es una presencia continua en las pasarelas de Nueva York desde los años sesenta y, aún hoy, sigue enamorando a varias generaciones a la vez.

Betsey es la segunda de tres hermanos. Nació el 10 de agosto de 1942 en Connecticut y luego de estudiar y graduarse en el Pratt Institute y la Universidad de Syracuse, realizó una pasantía de verano en la revista Mademoiselle, luego de ganar el Guest Editor Contest organizado por la misma revista.

Pronto cambió la vida detrás de las páginas de moda por lo que había sido su pasión desde siempre, y se dedicó a la creación de piezas de vestuario para la boutique neoyorquina Paraphernalia.

Con sus diseños alocados y el uso de materiales inéditos hasta ese momento, Betsey logró conquistar a quienes marcaban tendencia en la década del sesenta, como Julie Christie, Brigitte Bardot y Twiggy.
Ya para finales de esa década, Betsey se había convertido en la diseñadora in-house de la línea de vestimenta Alley Cat y luego, en asociación con su amiga y modelo Chantal Bacon, abrió su primera tienda en Soho, llamada Betsey Bunki Nini. En esta tienda Betsey Johnson pudo mostrar directamente sus alocados diseños inspirados en trajes de danza que tanto ama desde su juventud y continuarían siempre presentes en todas sus colecciones. 

A partir de ese momento todo fue en subida para Betsey Johnson. En los la década de los noventa, sus diseños se vendían en tiendas por departamento en todo Estados Unidos, ganando cada vez más adeptas al estilo descontracturado, divertido e irreverente.

Entre 1993 y 1995, Betsey diversificó su negocio agregando a la lista de diseños zapatos, ropa para hombres y hasta un perfume. Todo esto la llevó a evolucionar tanto en el diseño como en la búsqueda de nuevos y mejores géneros, escalando rápidamente en la pirámide de diseñadores y situando sus líneas a un nivel de precios bastante más elevado, diseminando las tiendas con su nombre por todo el territorio de los Estados Unidos.

Años después, Betsey decide regalarnos algo más de su talento, llevando su alegría característica a los diseños de accesorios. Mucho color, dinamismo, humor y alegría se plasman en cada pieza de sus líneas de joyería y complementos, en donde podemos encontrar desde bolsos con apliques, hasta alocados complementos para el cabello.

Para muchos, el éxito de Betsey Johnson radica en su increíble capacidad de hacer eco de lo que sucede en la sociedad en una época determinada. Lo ha hecho con la invasión de estilo americano en Inglaterra; con el punk de las ropas rasgadas, púas y estoperoles; con los divertidísimos y coloridos años ochenta; con el grunge de los noventa, y lo continúa haciendo hasta nuestros días.

Casada y divorciada un año después con un Velvet Underground; madre de Lulu y abuela de Layla y Ella; sobreviviente de cáncer de mama y de una bancarrota que la obligó a cerrar 63 de sus casas en los Estados Unidos, Betsey Johnson resurge continuamente manteniendo como constante su alegría de vivir y sus “23 años internos”, aunque haya cumplido ya sus setenta primaveras. Se trata de una diseñadora audaz que no teme ni a los avíos exagerados, al uso del color, a los materiales inéditos ni a las combinaciones impensables. Como todos los años, al igual que desde hace 40 años, cada temporada se esperará con ansias ver en la pasarela las nuevas locuras de Betsey y su “rueda de carro” al final de cada desfile.

Ha sido llamada la chica mala de la moda neoyorquina, sus diseños se han caracterizado por ser poco sencillos.

Betsey Johnson es una de los diseñadoras de moda más conocida por sus diseños femeninos y caprichosos. Sus trajes son reconocidos por usar el estilo babydoll y la ropa tipo lencería como ropa de calle.

Su estilo es muy divertido, juvenil y femenino con mucha influencia del rock y donde predominan los colores brillantes, las rosas, corazones.

Betsey johnson colección otoño invierno 2013- 2014

La colección que fue creada con la colaboración de su hija Lulu Johnson centró su atención en colores encendidos con terminaciones metálicas con aires muy ochenteros.

Las modelos literalmente se ejercitaron en pasarela acompañadas de zapatillas deportivas, toallas y botellas de champagne mientras hacian abdominales, yoga y rutinas de gym. Su marca sigue en plena expansión, y da de que hablar por estos dìas en las esferas fashion gracias al lanzamiento de un perfume y su participación en un nuevo reality show.

Besty (quien se declaró en bancarrota en el 2012 y es una férrea luchadora tras superar un cáncer que la aquejaba), regresó en esta ocasión con sus delirantes y alegres representaciones a la NYFW augurando buen futuro gracias a sus aclamadas exentricidades.

Publicidad 
El estilo de la publicidad es dinamico y divertido, muy juvenil, coloridas formas y poses divertidas en las fotos






Carolina Torres
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la historia de la ilustración de moda

Historia de la ilustración de moda

A lo largo de la historia el diseñador de moda ha estado profundamente ligado a la ilustración, encargándose él mismo o contratando los servicios de un tercero. Por lo tanto, la ilustración de moda ha sido y sigue siendo un instrumento esencial en su caja de herramientas.

La ilustración de moda abarca un campo muy amplio, en el cual podemos encontrar representaciones de prendas de vestir muy técnicas u obras con un contenido tremendamente abstracto.

Los diversos cambios culturales unidos a sus correspondientes avances tecnológicos han provocado que el ilustrador de moda conciba de forma distinta su trabajo y comience a combinar los métodos tradicionales con las nuevas técnicas

A finales de 1800 y principios de 1900, la ilustración de moda era el reflejo de la estricta sociedad de la época. Las revistas de alta costura nos muestran mujeres de clase acomodada, emperifolladas con sus elaborados trajes en medio de escenarios clásicos.

La innovación llegó de la mano del diseñador francés Paul Poiret (“The Sultan of Fashion”), que pudo beneficiarse de las nuevas técnicas de impresión. Las nuevas formas de moda y el uso de impresión a color dieron paso a un nuevo estilo de ilustración de moda. Las figuras de Poiret pierden rigidez y son mucho menos detalladas y realistas que las obras de sus predecesores.

Poiret fue uno de los diseñadores de moda más creativos del siglo XX, reavivó la ilustración de moda, creó una escuela de artes plásticas, y en definitiva, supuso un antes y un después en el mundo de la moda.

En la década de 1920 importantes revistas como Vogue y Harper’s Bazaar comenzaron a utilizar la ilustración como principal método de propagación de noticias de moda.

Los años 20 traen consigo a la mujer que revolucionó por completo el mundo de la moda y a la que dedicaré un post más adelante: Coco Chanel. La modista francesa creó una línea marcada por la sencillez y la comodidad. Chanel consiguió dejar atrás la complicada y poco práctica elegancia de la Belle Époque, dando paso a una nueva era marcada por el confort y lo informal.

Esta nueva mujer moderna, activa y liberada quedó reflejada, como es lógico, en las ilustraciones de la época. La ilustración de moda también recibió una gran influencia del art deco y la arquitectura que surgen durante estos años.


En la década de 1930 el glamour de Hollywood se apoderó de los Estados Unidos. Los nuevos looks románticos dieron paso a formas más curvilíneas en las ilustraciones de moda. Al mismo tiempo, las tendencias de moda masculina aparecen en ropa de mujer, y por tanto la ilustración de la época se verá afectada, aunque los grandes cambios surgirán en los años 40.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, el mundo de la moda entró en declive, y con él la ilustración. Además, durante los últimos años de 1930, Vogue había comenzado a sustituir las ilustraciones de sus portadas por imágenes fotográficas, lo que agudizó la caída del negocio. Fueron años duros para la moda, en los que la escasez de tela provocada por la contienda dio paso a una nueva mentalidad, en la que la sola idea de realizar una prenda elaborada se consideraba algo atroz.

El final de la guerra estará protagonizado por Christian Dior, que salvó a la moda de la depresión que estaba viviendo con una colección optimista y femenina, llena de vitalidad. Sus contribuciones a la ilustración de moda son enormes, valiéndose de acuarela, así como de otros medios para realizar grandes obras de arte.

Fue en los 60, con la entrada del arte pop y de los nuevos estilos modernos, cuando la ilustración comenzó a cambiar.

Llegó un arte abstracto y dominado por el color, de la mano de uno de los grandes, Andy Warhol. Muchos ignoran que antes de darse a conocer con la mítica lata de sopa Cambell, Warhol había sido ilustrador de zapatos en diversas revistas durante los 50. Ganó cierta notoriedad con unas ilustraciones sueltas y abstractas que fueron expuestas en la galería Bodley de Nueva York.

Poco a poco la fotografía se fue haciendo cada vez más común en las portadas de las revistas, lo que dio lugar a que la ilustración de moda no se recuperase totalmente del declive que había sufrido durante la Gran Guerra.








 Carolina Torres
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Fibras


Fibras que no se usan en el vestir

Cuando se nos menciona la palabra fibra inmediatamente pensamos en tela en filamentos, en hilos, en el vestir etc. Pero en realidad existen muchas mas tipos de fibras que no son para la industria del vestido, son fibra de vidrio, fibra óptica, y fibra de carbono.

Fibra de vidrio
La fibra de vidrio es un material que consta de fibras numerosas y extremadamente finas de vidrio.
A lo largo de la historia los vidrieros ensayaron la fibra de vidrio, pero la manufactura masiva de este material sólo fue posible con la invención de máquinas herramienta más refinadas. En 1893, Edward Drummond Libbey exhibió un vestido en la Exposición Universal de Chicago que tenía fibra de vidrio con filamentos del diámetro y la textura de una fibra de seda. Fue usado por primera vez por Georgia Cayvan, una actriz de teatro muy conocida en aquella época. Las fibras de vidrio también se pueden formar naturalmente y se les conoce como "Cabellos de Pelé".
Sin embargo la lana de vidrio a la que hoy se llama comúnmente fibra de vidrio no fue inventada sino hasta 1938 porRussell Games Slayter en la Owens-Corning como un material que podría ser usado como aislante en la construcción de edificios. Fue comercializado bajo el nombre comercial Fiberglas, que se convirtió desde entonces en una marca vulgarizada en países de habla inglesa.
La fibra de vidrio se conoce comúnmente como un material aislante. También se usa como un agente de refuerzo con muchos productos poliméricos. Aunque no sea tan fuerte o rígida como la fibra de carbono, es mucho más económica y significativamente menos quebradiza.
El uso normal de la fibra de vidrio incluye recubrimientos, aislamiento térmico, aislamiento eléctrico, aislamiento acústico, como refuerzo a diversos materiales, palos de tiendas de campaña, absorción de sonido, telas resistentes al calor y la corrosión, telas de alta resistencia, pértigas para salto con garrocha, arcos y ballestas, tragaluces translúcidos, partes de carrocería de automóviles, palos de hockey, tablas de surf, cascos de embarcaciones, y rellenos estructurales ligeros de panal (técnica de armado con honeycomb). Se ha usado para propósitos médicos en férulas.
La fibra de vidrio es ampliamente usada para la fabricación de tanques y silos de material compuesto.
Fibra óptica
La fibra óptica es un medio de transmisión empleado habitualmente en redes de datos; un hilo muy fino de material transparente, vidrio o materiales plásticos, por el que se envían pulsos de luz que representan los datos a transmitir. El haz de luz queda completamente confinado y se propaga por el interior de la fibra con un ángulo de reflexión por encima del ángulo límite de reflexión total, en función de la ley de Snell. La fuente de luz puede ser láser o un LED.
Las fibras se utilizan ampliamente en telecomunicaciones, ya que permiten enviar gran cantidad de datos a una gran distancia, con velocidades similares a las de radio y superiores a las de cable convencional. Son el medio de transmisión por excelencia al ser inmune a las interferencias electromagnéticas, también se utilizan para redes locales, en donde se necesite aprovechar las ventajas de la fibra óptica sobre otros medios de transmisión.
Fibra de carbono
La fibra de carbono es una fibra sintética constituida por finos filamentos compuesto principalmente por carbono. Cada filamento de carbono es la unión de muchas miles de fibras de carbono. Se trata de una fibra sintética porque se fabrica a partir del poliacrilonitrilo. Tiene propiedades mecánicas similares al acero y es tan ligera como la madera o el plástico. Por su dureza tiene mayor resistencia al impacto que el acero.
La principal aplicación es la fabricación de  materiales compuestos, en la mayoría de los casos  con polímeros termoestables. El polímero es habitualmente resina epoxi, de tipo termoestable aunque también puede asociarse a otros polímeros, como el poliéster o elviniléster.
La estructura atómica de la FIBRA DE CARBONO es similar a la del grafito, consistente en láminas de átomos de carbono ordenados en un patrón regular hexagonal. La diferencia está en la manera en que esas hojas se entrecruzan. El grafito es un material cristalino en donde las hojas se sitúan paralelamente unas a otras de manera regular. Las uniones químicas entre las hojas es relativamente débil, lo que proporciona al grafito su blandura y brillo característicos. La fibra de carbono es un material amorfo: las láminas de átomos de carbono se colocan al azar, apretadas o juntas. Esta integración de las láminas de carbono es responsable de su alta resistencia.





 Carolina Torres
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lunes, 3 de junio de 2013

diseño de modas II : nuevos estilos


Tipos de estilos

Ya conocimos en clase los diferentes tipos de estilos convencionales, clásico, bohemio, étnico, original, vintage etc. Pero comercialmente se manejan nuevos estilos que se aplican más a la moda de las jóvenes, y que por lo general son más generalizados y venden más.

Estos nuevos estilos podemos verlos en las revistas, seventeen, Cosmopolitan, glamour, teen vogue etc .

Lo más importante de conocer estos nuevos estilos es que aparte de estar familiarizados con ellos podamos manejar nuestro estilo en base a estos estilos, ya que aparte de ser más conocidos son más comerciales internacionalmente.

Los estilos nuevos aprobamos de los que se hablaran son: girly o femenino, edgy o rockero , boho  que es bohemio, classic o preppy , clásico glam  e indie este uno de los más nuevos y que cada colección toma más fuerza sobre todo en los blogueros y personalidades de moda de internet así como en páginas como lookbook etc.

Girly o femenino

Este estilo es una mezcla  del equilibrio  de ropa dulce y sofisticada el secreto de lucir girly sin exagerar es combinar bien las piezas clave de este estilo, que son telas y prendas floreadas, siluetas  vaporosas,  accesorios y aplicaciones coquetas como el encaje o perlas.

 las piezas básicas del closet girly son:  por lo menos un vestido floreado, una blusa con  volantes  o tablones, unos pantalones ajustados de mezclilla clara, un cárdigan, una camiseta con gráficos femeninos, una falda vaporosa, unos flats y unos tacones peep toe, accesorios como anillos y joyería dorada, cintos para la cintura y una mascada.

Edgy

El look edgy se trata de un look rudo o rockstar, pantalones rasgados y cuero estoperoles y cadenas, pero el secreto de no lucir demasiado negro o rudo es combinarlo con piezas femeninas ,

Las piezas claves de este estilo son: pantalones ajustados y rasgados, una camiseta holgada , unos botines, una camiseta con un gráfico de alguna banda, una minifalda de cuero , una chamarra de cuero  , unos shorts rasgados de mezclilla y unas botas de combate, añadiendo piezas de colores femeninos o accesorios simples para no recargar el look.

Boho

Este estilo es para personalidades de espíritu libre se trata de encontrar gráficos y patrones en las prendas étnicos o cualquier look que tenga gráficos con flores o étnicos, la clave es en combinar piezas modernas para que no luzca como un look  para una persona mayor,

Las piezas claves de este look son: un vestido tipo étnico, una blusa con volantes de colores neutros, unos pantalones rasgados, una falda larga, un maxi cárdigan , sandalias y un bolso hippie.

Classic o preepy

Este estilo es de sofisticación y modernidad, que luzca limpio y chic pero nunca aburrido se centra en líneas y siluetas básicas y simples, la clave es combinar piezas modernas y accesorios llamativos para que no luzca  aburrido

Las piezas claves de este estilo son: una blusa camisera, un vestidito negro (Little black dress) un blazer, unos jeans rectos, una falda recta y una vaporosa con gráficos , un bolso tipo cannel y unos tacones de pulsera.

Glam

Este look es para las personalidades fiesteras y glamurosas, brillos y lentejuelas, animal prints, lujo y tacones, la clave para lucir bien este estilo es combinar piezas básicas con glamurosas o piezas casuales para que no se vea tan recargado.

Las piezas clave son: un vestido de lentejuelas, un pantalón ajustado obscuro, una blusa de animal print, una falda de lápiz, un jumpsuit de short, un chaleco de peluche o piel, botas de tacon y tacones de aguja.

Indie

Este look es para chicas que gusten lucir  prendas originales y elementos inesperados  y divertidos y que puedan hacer ellas mismas como teñir una camiseta o llenar de estoperoles un chaleco,

Las piezas clave son: un pantalón con cintura alta, un cardigan , un short rasgado, una blusa de estampado de cuadros, un vestido vaporoso y retro ,unos zapatos Oxford y unos botines étnicos.

Los diseñadores se basan de estos estilos para vender su ropa  ya que son los estilos que por lo general las jóvenes conocen por los medios publicitarios.







Carolina Torres
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sastreria


Sastrería
La sastrería es la técnica de corte y costura hecha totalmente a la medida por lo general  se maneja más en trajes para caballero es un arte que consiste en la creación de prendas de vestir masculinas en forma artesanal,  diseñadas y cosidas a mano exclusivamente de acuerdo con las medidas y preferencias de cada cliente

Desde finales de la Edad Media  la sastrería se estableció con el surgimiento de la moda durante el Renacimiento.
Los sastres, que anteriormente se ocupaban únicamente de coser, comenzaron a desarrollar una práctica y un arte en  el corte, bastante perfectos  para lograr los cambios de indumentaria deseados.
  Los gremios de sastres figuran desde el siglo XIII, regulados por sus propias ordenanzas; organización que vino con ellos a América. Su presencia, se incorporó con la colonia española, perduró con un mismo propósito y diferentes métodos.
Hablando de estos gremios un gremio de sastres es un numero de decendientes  y herederos de este puesto y que permanecía durante muchos años.
Los maestros de sastrería ofrecían a sus colegas el secreto de su ciencia, para cuyo desempeño se requerían, además del dominio de la confección, conocimientos de geometría y manejo del compás, aritmética y esencialmente manejo de los números quebrados. Pese al reconocimiento que tenían los grandes maestros de la sastrería, su oficio de carácter manual los mantenía sometidos a las mismas limitaciones de los artesanos.
En ambos casos se realizan prendas a medida pero una de las principales diferencias es que en el caso de la sastrería, se patrona sobre la tela y se confecciona mayormente a mano,  principalmente, trajes con diferentes  técnicas de costura manual; en cambio el modelado el “patronaje” se  realiza sobre maniquí primero sobre una tela que nos servirá como molde o patrón  para después cortar la tela  y coser ya sea manualmente o a máquina.

 Otra de las diferencias  es que en el primer caso como se menciona anteriormente se realizan prendas “personalizadas” principalmente  para los caballeros mientras que la segunda es exclusivamente utilizada para la realización de prendas de Alta Costura Femenina.

 CARACTERÍSTICAS DE LA SASTRERÍA.

° Comodidad y flexibilidad.
° Caída Natural.
° Liviandad.
° Perfección.
° Diseño “Clase, lujo y elegancia”.

Los cuatro puntos fundamentales que se deben reunir para lograr perfección en la sastrería son:

-Buena tela.
-Buen corte.
-Buen entalle.
-Buena artesanía en la costura.

Un traje a la medida siempre es bueno ya que tiene más durabilidad  es artesanal por lo que tiene más valor que una prenda que se fabrica en masa.

Sastre

La persona que realiza estas prendas a la medida se le llama sastre diseñando exclusivamente de acuerdo con las medidas y preferencias de cada cliente, sin hacer un uso estandarizado de numeración preexistente. Es un oficio que ha estado presente desde hace muchísimos años.

Pero no solamente la sastrería es para la fabricación de trajes para hombre sino un sastre puede hacer ropa de alta costura para mujeres y niños

El oficio de sastre es muy antiguo, normalmente desempeñado por hombres siendo que a las mujeres se las conoce como costureras o modistas.

El sastre era una de las figuras más importantes de las diferentes realezas ya que los reyes, reinas y demás personas del cortejo real no vestían prendas comunes si no que llevaban siempre prendas hechas a la medida.

Hoy en día los sastres siguen existiendo, sin duda como un lujo que algunos pocos pueden pagar debido a lo alto de sus servicios. Los sastres son especialmente utilizados por personas que necesitan tipos específicos de vestimenta para ocasiones especiales, así como también por personas que quieren realizarse toda una nueva colección de ropa a su medida y que no quieren poseer ropas comunes. Los sastres también reparan y arreglan ropas que no quedan perfectamente a la medida de la persona por ser nuevas o por ser heredadas de otras personas.

 


Carolina Torres
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jueves, 14 de marzo de 2013

tipos de estilos



Tipos de  estilo
Como sabemos desde el inicio de la historia la moda tiende a cambiar, todos recordamos algo que se usó en una determinada época, algo que todavía se usa y otras cosas que solo duraron algunos años o meses, así es la moda tiende a crecer o descender.

Hay que recordar que la moda no es solo un arte sino un negocio, los diseñadores en cada temporada nos ofrecen una serie de prendas  que pueden entrar en este tipo de estilos.

Hay dos tipos de modas o estilos que son los clásicos y los de vanguardia, los primeros son las prendas que permanecen, que nunca van a desaparecer o pasar de moda, así como son las prendas indispensables en nuestro closet, son prendas que se pueden utilizar en cualquier ocasión y que al comprarlas son una apuesta segura. Las de vanguardia son prendas que causan en los desfiles gran impresión por los fashion victims, y en su venta tienen un gran furor, después de que los líderes de la moda los usan y luego desechan el mercado produce las copias para mercados más económicos, todo esto se explicara mejor a continuación

Prendas tipo clásico
Las prendas tipo clásico son aquellas prendas que no pasan de moda son aquellas que podemos usar en diferentes ocasiones debido a que nunca pasa de moda, tal ves te permite estar actualizada y elegante complementándolo con elementos vanguardia

Estos tipos de prenda son una buena apuesta para invertir en ropa ya que nunca pasan de moda y las podemos usar en diferentes situaciones y ocasiones una gabardina o trench clásico, un mini Black dress o un buen bolso de piel son apuestas seguras

Algunos ejemplos de otras prendas clásicas son: blazer azul, chaquetas safari, gabardinas, polos, mocasines, zapatos con hebilla, conjunto de suéter, chaqueta de punto, pantalones de pinzas, calcetines de cuadros, camisetas y sudaderas, negro ,azul marino, beige, color crema.

Para un diseñador incluir algunas de estas prendas o colores puede hacer que su mercado 
sea más seguro y que venda más, así como comprador a veces buscamos prendas que podamos usar en diferentes ocasiones sin que nos veamos pasadas de moda

Prendas tipo vanguardia

Son todas esas modas pasajeras que tuvieron un gran crecimiento en las ventas durante un tiempo determinado, pero a la larga el interés por la compra de estas prendas bajo o desapareció

Las modas pasan por muchas etapas. Primero, por lo general, una cantidad pequeña de consumidores se interesan por algo nuevo que los distingue de los demás. Después, otros consumidores se interesan gracias al deseo de copiar a los líderes de la moda.

A continuación, la moda adquiere popularidad y es adoptada por todo el mercado de masas.

Por último, la moda se desvanece; conforme los consumidores empiezan a dirigirse hacia otras modas que están empezando a captar su atención. Así, las modas tienden a crecer con lentitud, a gozar de popularidad durante cierto tiempo y a descender poco a poco.

Como habíamos mencionado  son modas que entran al mercado con gran rapidez, son adoptadas con gran celo, llegan a la cúspide muy pronto y decaen muy velozmente. Sólo duran un período breve y tienden a atraer a una cantidad limitada de seguidores.

Las tendencias pasajeras no sobreviven porque no satisfacen una necesidad imperiosa.
En marketing, se considera un ganador a la persona capaz de reconocer pronto una tendencia pasajera y convertirla en un producto con poder de permanencia.

Por ejemplo: Las pulseras de goma , los suecos, los pantalones acampanados, los converse y vans , toda la moda tipo skate, los tacones y botas con punta de pico muy pronunciado, los pantalones de cuadros, los pantalones a la cintura, el peluche , colores neon, etc.

 La popularidad de estos productos se dispara como un cohete, pero se desvanece a la misma velocidad.

Esas fiebres pasajeras presentan desafíos a las empresas responsables de ellas, también pueden significar oportunidades si quién las gestiona invierte lo que ha ganado con ellas en un negocio sostenible.





Carolina Torres
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miércoles, 13 de marzo de 2013

Vivienne westwood


Vivienne Westwood

Conocida como Vivienne Westwood, es una diseñadora de moda británica considerada como la principal responsable de la estética asociada con el punk y el New Wave.
Westwood, como compañera de Malcolm McLaren y dueña de la boutique SEX, estuvo directamente involucrada con la banda Sex Pistols y el surgimiento del movimiento punk en el Reino Unido.

Nació el 8 de abril de 1941 en  Derbyshire, Inglaterra. Estudió en el Harrow School of Art y en el Trent Park College.   Con los años, decidió estudiar Artes en Londres y abandonar su pueblo natal donde  había notado que no podía satisfacer sus inquietudes artísticas e innovadoras.   En 1962 se casó con Derek Westwood, con quien tuvo su primer hijo y de quien adoptó el apellido con el que inauguró su exitosa carrera.

A los 3 años, el matrimonio se separó, y en 1967 Vivienne conoce al músico Malcolm McLaren. Ambos tuvieron un hijo, y en 1971 incursionaron en el mundo de la moda: abrieron el local de indumentaria y música Let it Rock.
En 1975 McLaren comenzó a representar a los Sex Pistols, banda que encabezó el punk  inglés y que, aunque duró poco tiempo, sentó las bases del movimiento.

A partir de la irrupción de los Sex Pistols, la pareja renombró el local de ropa que compartían llamándolo Sex, espacio donde la diseñadora exhibió sus revolucionarios diseños que creaba para los integrantes de la banda y gracias a los que logró convertirse en la Reina del Punk.

 La estética punk comenzó luego del primer recital de los Sex Pistols donde la banda usó diseños de la pareja que incluían, o incluyeron luego, elementos del bondage, elementos fetichistas, alfileres de gancho (tomados de la estética de Richard Hell, una personalidad importante en la escena punk neoyorquina), cadenas, navajas de afeitar y el característico cabello en punta, entre otros.

 La inclusión de elementos del diseño tradicional británico contribuyó a formar la imagen chocante, polémica y antisocial del punk
Con la excentricidad y anarquía como slogan, Westwood lanzó la colección Esclavitud, en la que montaba ropas de cuero, goma o charol repletas de alfileres de gancho, clavos, hebillas, cremalleras y ceñidores.

En  1981 Westwood presentó su primera colección en Londres con el nombre de "Pirata”, desfile en el que logró plasmar su impronta original consolidar su etiqueta de talentosa mostrando pantalones de montar y cortes asimétricos.
La temporada siguiente lanzó la temporada Nostalgia of Mud en la que adjuntó tiradores en ropa desgastada. Al otro año, llevó a cabo el desfile Sorcières, primera vez en que se presentan zapatillas sobre la pasarela.
A los dos años viajó a París con otra de sus colecciones, y en 1983 compartió la pasarela con diseñadores de la talla de Calvin Klein.

En 1990 incursionó en la moda masculina, lanzó una colección para hombres, y fue nombrada  diseñadora británica del año.
Westwood tiene su propia línea de perfume, y sus trabajos se han caracterizado por fusionar los diseños de la alta costura con los objetos del mundo de la cultura y el arte

En 1983 mostró su colección en París, y al año siguiente sus prendas compartieron pasarela con las de Calvin Klein y Gianfranco Ferré en Tokio, una de las ciudades donde goza de mayor aceptación.

En 1990  fue nombrada diseñadora británica del año, galardón que volvió a merecer el año siguiente. En la actualidad Westwood presenta sus colecciones en la Semana de la Moda de Londres.

PRIMAVERA VERANO 2013

Una vez más, Vivienne Westwood nos ha sorprendido con una colección en la que destacan los vestidos joya bordados, y los estampados florales en abullonadas faldas. Excesiva como siempre, ha puesto su atención en un particular retrato de Maria Antonieta al que le ha añadido un punto punk. Caras pintadas, gorros turbantes y cardados XL complementaban su propuesta única.

Una colección que enmarca su estilo entre colores y cortes más suelto que destacan el cuerpo de la mujer sensual de los años 40 y 50 amoldados a la mujer actual.

Esta colección desenvuelve tonos agradables, y texturas completamente suaves definiendo los colores predominantes como el rojo, negro, dorado, azul marino entre tonos suaves como beige combinados entre rayas verticales y blanco. Una colección agradable y relajada.





Carolina Torres
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